LAS MEJORES PELICULAS SOBRE PINTORES

El cine siempre ha bebido de la pintura, y su relación está presente en multitud de grandes películas: Dalí, Van Gogh, Goya, Pollock, Frida Khalo, Modigliani...etc.

Dos expresiones del arte fascinantes y complementarias. Así es como hemos descubierto de los artistas sus excentricidades, sus manías y su inconformismo con el mundo.

Por su singular personalidad, por la admiración que provocan y sus, a menudo, desordenadas vidas, los grandes artistas son los candidatos ideales para realizar películas biográficas. Son muchas y muy variadas.

Klimt, Modigliani, El Greco  y Turner son los últimos genios que han pasado por la gran pantalla.

El misterio de Picasso .1956 

 "El misterio de Picasso" (1956) es un documental realizado por un maestro del suspense, Henri-Georges Clouzot, sobre el artista más importante del siglo XX, Pablo Ruiz Picasso. Rodada en el estudio de Picasso, la película nos muestra la técnica, el modo y el momento en el que nacen sus obras. Pero Clouzot va más allá, convierte el lienzo en una pantalla de cine y parece que estamos, por un momento, dentro del cuadro. Es realmente curioso, único y genial poder apreciar cómo trabajaba la mente de un genio que, al finalizar el rodaje, destruyó casi todos los cuadros convirtiendo esta película en una obra de arte en sí misma.

 El Hollywood clásico de los años 50 plasmó la vida de dos de los más populares exponentes del arquetipo de genio loco: Henri Toulouse-Lautrec y Vincent Van Gogh. 

John Huston dirigió en 1952 "Moulin Rouge" y Vincente Minelli, en 1956, "El loco del pelo rojo", dos melodramas con interpretaciones estelares de sus protagonistas. Los dos fueron nominados al Oscar, aunque ninguno se hizo finalmente con la estatuilla.

 

El loco del pelo rojo. 1956

“El loco del pelo rojo” (1956), que para mí es una de las mejores y que os recomiendo que la veáis,  es una película biográfica sobre uno de los principales exponentes del postimpresionismo, Vincent Van Gogh. Dirigida por un amante del color y el arte, Vincente Minelli, retrata la vida tormentosa del apasionado, sensible y desequilibrado mental Van Gogh, interpretado por un estelar Kirk Douglas. Esta película se ha podido quedar algo desfasada y puede llegar a ser algo pesada, pero sigue siendo una impecable adaptación biográfica.

Por otro lado, también hay películas altamente reflexivas, como "Andrei Rublev" (1966), una obra muy recomendada que trata en episodios la vida del homónimo pintor ruso, mostrando al mismo tiempo la dureza de la vida del siglo XVI en el país. Su punto fuerte son sus largas y trascendentales conversaciones; aunque, con sus más de tres horas de duración a un ritmo más bien lento, conviene estar mentalizado antes de comenzar a verla.

Lejos de los estudios hollywoodiense y de lo políticamente correcto,y desde la independencia del cine de autor se ha homenajeado a grandes genios de los pinceles. Es el caso de "Pollock, la vida de un creador" (2000), proyecto personal del actor Ed Harris que debutaba en la dirección para llevarlo a cabo. Biografía del famoso expresionista Jackson Pollock, donde se muestra al hombre atormentado y autodestructivo, a pesar de su éxito. Se trata de una gran muestra del trabajo y una parte de la vida de Pollock, en la que el alcohol, la pintura, y la aparición de una mujer como si de un ángel salvador se tratara, no consiguen, finalmente, ahuyentar a los demonios del pintor.

El mismo Harris interpretaba el papel de Pollock, el artista más influyente de su generación y una de las figuras centrales de la cultura americana, que acabó perdiendo la batalla contra el alcohol. Otro ejemplo es "El amor es el demonio"  (1998), película sobre Francis Bacon a cargo del cineasta experimental británico John Maybury. La película reproduce con acierto, aunque quizás excesiva insistencia, la estética deformada, agresiva y de luces tenebrosas de la pintura de Bacon, en una simbiosis entre la pintura y el cine que resulta interesante. Destacable es, sobre todo, la interpretación que Derek Jacobi hace de Francis Bacon y Daniel Craig (el último James Bond) de George Dyer.

"Basquiat" (1997) es una película sobre Jean-Michel Basquiat, artista afroamericano postmodernista y neoexpresionista que logró reconocimiento mundial. Dirigida por Julian Schnabel, otro artista y amigo de Basquiat en vida que, sin sorprendernos demasiado, hace un repaso breve del ascenso y descenso, lleno de prejuicios artísticos, que sufrió Basquiat. Es decir, el descubrimiento, el estrellato, la decadencia y la muerte por culpa de los excesos. Lo genial de la película es descubrir a este artista, muy desconocido para la gente que no sabe o no quiere saber de arte, y su relación con Andy Warhol, icono del arte mundial que lo descubrió.

 

La joven de la perla. 2003

Se han estrenado, con gran éxito de público, títulos como "Frida" del 2002, o la adaptación del best-seller  "La joven de la perla" de Meter Webber en 2003. Esta última relata la historia de ficción creada por Tracy Chevalier sobre la supuesta relación entre el pintor flamenco Johannes Vermeer (Colin Firth) y la criada interpretada por Scarlett Johansson (un tratamiento parecido al de Copying Beethoven) que le sirvió como modelo para la creación del cuadro que da título a novela y película.  Aunque no sea una biografía, es una bonita historia con una fotografía cuidada al detalle.

 

Frida. 2002

‘Frida’  es una obra llena de color y sentimiento, en el que se refleja constantemente la pasión y desengaños que poblaron la vida de Frida Kahlo en su tormentosa unión con Diego Rivera. El papel de luchadora que realiza Salma Hayek, tanto en la vida pasional de Frida como en la batalla que tuvo que librar de por vida contra las secuelas de un accidente de autobús, hacen de esta historia una conmovedora pieza que explica la pasión por el arte como vía de escape de la pintora. Ha sido una película criticada y reconocida al mismo tiempo (dos Oscars y un Globo de Oro). Ante todo, muestra una historia realmente emocionante.

https://www.youtube.com/watch?v=s9jX0S7mvB8

"Klimt" (2006), una producción anglofrancoalemana protagonizada por John Malkovitch. Exhibida en poquísimos cines, retrata las andanzas del artista austríaco Gustav Klimt, cuyos suntuosos y eróticos cuadros marcaron el estilo Art Nouveau de finales del siglo XIX y principios del XX.


"‘Modigliani" (2006) que como 'Klimt' es mucho más que un nombre propio. "Modigliani" es la película que retrata las miserias y grandezas regadas por el alcohol de este genio de los pinceles. En París, el pintor italiano quemó su vida a toda velocidad. En el 2006, ochenta y cuatro años después de su muerte, resucitó en este film estrenado en el Festival de Cannes. Protagonizada por Andy García, no recibió demasiadas buenas críticas.

Los penúltimos  en probar suerte en este territorio son los españoles. La vida atormentada y el deslumbrante mundo pictórico de "El Greco"(2007), uno de los artistas con más personalidad del Barroco, es el argumento de una película que se rodó en las proximidades de Atenas. El largometraje, protagonizado por Juan Diego Botto y el británico Nick Ashdon, se basa en la vida del pintor Domenikos Theotokopoulos, universalmente conocido como El Greco (1541-1614), y es la primera coproducción cinematográfica hispano-griega.

La película, basada en la novela del escritor griego Dimitris Siatíopulos 'El pintor de Dios', esperó siete años para su realización y tuvo una mala crítica.  Tengo que añadir que sobre  El Greco en el año 1966 se realizó otra película de producción italiana, que  cuenta con la música de Ennio Morricone, lo cual ya es un punto a su favor.

 

Renoir. 2012

"Renoir" (2012) es una película biográfica sobre el retratista más célebre del impresionismo Pierre-Auguste Renoir. Para ser más concreto, nos introduce en una última etapa de Renoir, mayor y dolorido por la pérdida de su esposa, los dolores artríticos y la preocupación por su hijo, el cineasta Jean Renoir. La película es bella en sí misma y esconde trazos biográficos muy llamativos, como la relación padre-hijo.

https://www.youtube.com/watch?v=zQUqNgL9szI

Y la última  ”Mr. Turner ” (2014) Biografía sobre el pintor británico, Joseph Mallord WilliamTurner (1775-1851), conocido como el “pintor de la luz”. Artista reconocido, ilustre miembro de la Royal Academy of Arts, vive con su padre y su fiel ama de llaves. Es amigo de aristócratas, visita burdeles y viaja frecuentemente en busca de inspiración. A pesar de su fama, también es víctima de las burlas del público y del sarcasmo de la sociedad. Profundamente afectado por la muerte de su padre, decide aislarse. Su vida cambia cuando conoce a Mrs Booth, propietaria de una pensión familiar a orillas del mar. Retrato bello y exquisitamente detallado del artista.

Y como siempre, dejo muchas películas fuera, no puedo escribir sobre todas, pero por mencionar algunas que quedaron por ahí:  "Rembrandt" (1936), "Los fantasmas de Goya" (2006) o "Sin límites" (2008).

Lo cierto es que se agradecen las películas biográficas de personajes históricos que no han vivido en una época con tanta tecnología como la nuestra, pero que han sido y son parte de la cultura mundial.

Esto es una muestra de lo que el binomio cine y pintura puede seguir dando de sí. Y, si queréis tener una lista de la pintura en el cine, ahí va:

·         La kermesse heroica (Jacques Feyder, 1935)

·         Rembrandt (Alexander Korda, 1936)

·         Soberbia (Albert Lewin, 1943)

·         Utamaro y sus cinco mujeres (Kenji Mizoguchi, 1946)

·         Moulin Rouge (John Huston, 1952)

·         El loco del pelo rojo (Vincente Minnelli, 1956)

·         Los amantes de Montparnasse (Jacques Becker, 1957)

·         Un genio anda suelto (Ronald Neame, 1958)

·         El tormento y el éxtasis (Carol Reed, 1965)

·         El Greco (Luciano Salce, 1966)

·         El Decamerón (Pier Paolo Pasolini, 1971)

·         Gauguin, el salvaje (Fielder Cook 1980)

·         Caravaggio (Derek Jarman, 1986)

·         Luces y sombras (Jaime Camino, 1988)

·         Historias de Nueva York:, episodio Life Lessons (Martin Scorsese, 1989)

·         Los sueños de Akira Kurosawa (Akira Kurosawa, 1990)

·         La bella mentirosa (Jacques Rivette, 1991)

·         Dalí (Antonio Ribas, 1991)

·         Van Gogh (Maurice Pialat, 1991)

·         La vida de bohemia (Kaurismaki, 1992)

·         El sol del membrillo (Víctor Erice, 1992) 

·         Carrington (Christopher Hampton, 1995)

·         Yo disparé a Andry Warhol (Mary Harron, 1996)

·         Basquiat (Julian Schnabel, 1996)

·         Sobrevivir a Picasso (James Ivory) 1996

·         El amor es el demonio (John Maybury, 1998)

·         Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999)

·         Pollock, la vida de un creador (Ed Harris, 2000)

·         Frida (Julie Taymor, 2002)

·         La joven de la perla (Peter Webber, 2003)

·         Modigliani (Mick Davis, 2006)

·         Klimt (Raoul Ruiz, 2006)

·         El Greco (Iannis Smaragdis, 2007)

·         Renoir ( Gilles Bourdos 2012)

·         Mr. Turner (Mike Leigl 2014)

Por amor al arte, la fama, el dinero o sus musas. Los maestros del pincel y el lienzo han buscado siempre lo inexplicable, y sin embargo nos dicen todo a través de sus obras. Es la característica mística que encierran los artistas, capaces de esconder misterios en una simple sonrisa, amar a alguien hasta el daño, beber, fumar y drogarse como si no hubiese mañana. Si la pintura es la poesía muda, ellos son los poetas.

Así que ya sabéis, si os gusta el arte, la pintura, el cine y la historia sería interesante que veáis alguna de las películas que he mencionado.

Y os invito a que participéis y aportéis películas que consideréis que deberíamos incluir en este listado.

Rabadán Pintora.

Leonardo Da Vinci

La pintura es poesía muda. La poesía pintura ciega.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

¿Qué puedo decir de Leonardo Da Vinci ?, un genio en todas sus facetas adelantado a su época y en cuanto a su obra que perdura, siempre que la miro, me acaba sorprendiendo un poco más. Es mi pintor más admirado, por ello le dedico este primer artículo y como primera imagen elijo la obra de "la Belle Ferronière" , que es la que más me gusta.

La Belle Ferronière. 1496
Prototipo absoluto del hombre humanista del Renacimiento, Leonardo da Vinci ejerció de pintor, escultor, ingeniero, músico, geómetra, teórico…un visionario cuya realidad no fue marco adecuado para el desarrollo completo de su capacidad, siendo quizá ese el motivo por el que su figura ha llegado a la actualidad envuelta en un halo de misterio.

Pero hagamos un breve repaso de la historia: Leonardo da Vinci nació en las afueras de Florencia, en Vinci, el 15 de Abril de 1.452. Vivió durante el apogeo del renacimiento italiano, una era marcada por grandes logros artísticos y científicos y por una búsqueda universal de conocimiento. Renaissance es el termino en francés para el renacimiento y se vió a sí mismo como el nuevo nacimiento de los valores que, de alguna forma, se atribuían románticamente al pasado, a la antigua Grecia y a la antigua Roma. Contemplan el millar de años que ha pasado entre Roma y el auge del renacimiento, y quieren traer de nuevo la luz del humanismo con la innovación intelectual y artística. Florencia era más grande que Londres, que a su vez era más grande que París y Roma en la época en la que Leonardo da Vinci vivió allí. Pero mientras que el renacimiento era considerado una era de iluminación, fue también un tiempo fuertemente dominado por la iglesia católica romana. Cuando llegamos al renacimiento, la iglesia regia prácticamente todo, así que todos los artistas, prácticamente todo aquel que supiera leer y escribir, estaba involucrado en el sistema monástico de la iglesia, y por supuesto, éste es el patrón principal de todos los diferentes artistas del renacimiento. Estamos en una época en la que todo está sujeto al escrutinio de la iglesia. Un joven llamado Leonardo da Vinci aceptó uno de sus primeros encargos artísticos. Se trataba de la ilustración de un escudo de madera con una representación del monstruo de la Grecia mítica: Medusa, una Gorgona cuya cabeza estaba llena de serpientes. Leonardo dibujo una Medusa tan terrorífica, que su padre llegó a pensar que estaba viendo serpientes vivas. Cuando los más prominentes artistas de su tiempo pintaban imágenes de la biblia judeo cristiana, Leonardo escogió representar un monstruo de la Grecia mítica.

El hombre de Vitruvio, canon del cuerpo humano.

Da Vinci se esforzó en descubrir la anatomía del cuerpo humano, y tuvo que mantener su trabajo en secreto (sus notas de anatomía humana las escribió codificadas, usando un método conocido como la escritura invertida,que consistía en escribir hacia atrás). A sabiendas que las disecciones que realizaba para el estudio de la anatomía, no solo no eran aceptadas por las Iglesia sino que estaban penadas incluso con la pena de muerte, este genio ejecutaba la escritura invertida en todas sus creaciones.

A lo largo de su vida, como se ha señalado ya, su interés se centrará en materias diversas, pero será a la pintura a la que dedique sus mayores esfuerzos. A pesar de que su obra se puede considerar perteneciente a comienzos del Cinquecento, el espíritu de Leonardo es atemporal, no existiendo límites capaces de encorsetar la definición de su arte.

Sin embargo, sí es posible establecer algunas aportaciones de Leonardo da Vinci al mundo de la pintura concretadas en el valor otorgado a paisajes y atmósferas (que se constituyen en un elemento más de importancia a añadir al conjunto de la obra), la creación de la técnica del esfumato, la simetría clásica de sus composiciones, encuadradas geométricamente, además de un amor por el detalle y la veracidad responsables de la enorme importancia que concederá al conocimiento de la naturaleza y a la preparación previa a la ejecución de la pieza.

A pesar de la multitud de bocetos, análisis e investigaciones que Leonardo llevó a cabo en el terreno de la pintura, o quizá debido a este mismo hecho, lo cierto es que su producción en este campo no es excesiva (a lo cual habría que añadir el número de cuadros de atribución dudosa, debido a que fue un pintor muy imitado). Pocas, pero con categoría de obras maestras de la historia del arte; así podrían definirse sus pinturas, de entre las que cabría señalar tres en concreto: LA VIRGEN DE LAS ROCAS, LA GIOCONDA, Y LA ULTIMA CENA.

La Virgen de las Rocas

La Gioconda.

La importancia que Leonardo concede al modelado, la composición y la luz escénica se puede apreciar en la Virgen de las Rocas, cuyos personajes aparecen envueltos por ese aire de misterio tan característico de la Gioconda. La gradación de la luz y el uso del difuminado posibilitan esa imprecisión en los contornos (que alejan ya el estilo de la nitidez quattrocentista previa), esa atmósfera de neblina propia del esfumato, la técnica pictórica creada por Leonardo y que puede apreciarse en otras obras, como la ya mencionada Mona Lisa o La Gioconda . Obra famosa desde el momento de su creación, que se convirtió en modelo de retrato y casi nadie escaparía a su influjo en el mundo de la pintura. La mítica Gioconda ha inspirado infinidad de libros y leyendas, y hasta una ópera; pero poco se sabe de su vida. Ni siquiera se conoce quién encargó el cuadro, que Leonardo se llevó consigo a Francia, donde lo vendió al rey Francisco I por cuatro mil piezas de oro. Perfeccionando su propio hallazgo del esfumato, llevándolo a una concreción casi milagrosa, Leonardo logró plasmar un gesto entre lo fugaz y lo perenne: la «enigmática sonrisa» de la Gioconda es uno de los capítulos más admirados, comentados e imitados de la historia del arte y su misterio sigue aún hoy fascinando. Existe la leyenda de que Leonardo promovía ese gesto en su modelo haciendo sonar laúdes mientras ella posaba; el cuadro, que ha atravesado no pocas vicisitudes, ha sido considerado como cumbre y resumen del talento y la «ciencia pictórica» de su autor.

Recientemente se ha restaurado la copia de la Gioconda alojada en el Museo del Prado (España) y un equipo de investigadores de la Universidad de Bamberg (Alemania) al compararla con la Gioconda que adorna las paredes del Museo de Louvre (Francia) a través de la técnica de la esterografía (técnica utilizada para representar objetos tridimensionales en un plano por medio de sus proyecciones) han descubierto un secreto muy bien guardado de la famosa pintura de Leonardo da Vinci:  que  ambos cuadros son las dos mitades de una misma imagen 3D, pero cada una de ellas mostrando una perspectiva distinta de la mujer protagonista.

Sin embargo, el descubrimiento no acaba aquí. Hasta ahora, se pensaba que el paisaje de ambas pinturas era una campiña del norte de Italia. Ahora, los investigadores han revelado que el fondo de ambos cuadros es falso, un fondo probablemente colocado en el estudio de da Vinci.

Las conclusiones de este estudio, que serán publicadas en la revista Leonardo, ejemplifican que “los fondos de las obras son estadísticamente iguales en relación a la forma, aunque el fondo del cuadro del Museo del Prado es una versión con un zoom del 10%, en comparación con el fondo de la obra del Louvre, lo que se puede deber a la distancia en que Da Vinci y su discípulo, quien se supone pintó la obra que se exhibe en España, estaban sentados respecto del fondo falso cuando pintaron los cuadros”, afirma Claus-Christian Carbon, coautor del estudio.

Izquierda: La Gioconda del Louvre.   Dcha: La Gioconda del Museo del Prado

En lo que respecta a su famosa y deteriorada Última Cena, dicho fresco es destacable por el empleo de la iluminación y la composición que realiza, pero principalmente por la profundidad y diversidad de sentimientos y actitudes que Leonardo consigue registrar en cada uno de los personajes, conformando de esta manera una verdadera "galería psicológica".

Ultima cena.

No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido, ejecutada entre 1495 y 1497 y  se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán (Italia) . Mide 460 cm de alto por 880 cm de ancho. Muchos expertos e historiadores del arte, consideran a La Última Cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo.


El personaje central es Jesús, a quien Leonardo menciona bajo el nombre de «el Redentor» en sus notas de trabajo. Está en actitud contemplativa y mira hacia abajo y un poco hacia su propia izquierda, con las manos extendidas al frente sobre la mesa, como si ofreciese algo al espectador. Como ésta es la Última Cena en que, según nos enseña el Nuevo Testamento, Jesús instituyó el sacramento del pan y del vino, invitando a sus seguidores a que los coman y beban, diciendo que son su carne y su sangre. Por esta razón sería razonable buscar algún cáliz o copa de vino delante de él. Pero no hay vino delante de Jesús, y apenas unas cantidades simbólicas en toda la mesa. Visto que apenas hay vino, quizá no sea casualidad que tampoco se hayan partido muchos de los panes que vemos sobre la mesa. Ello es particularmente sorprendente cuando el mismo Jesús identificó el pan con su propio cuerpo, que se supone sería partido en el supremo sacrificio.
La figura de Juan no se reclina según indica el relato bíblico, sino que se aparta hacia la derecha de Jesús con exageración. Pero, si se mira en un mayor detalle la figura de Juan, parece claro que lo que se está representando es a una mujer. Toda la figura es sorprendentemente femenina; por más que la pintura sea antigua y esté deteriorada. Pueden verse las manos pequeñas y bien formadas, los rasgos del semblante son finos y armoniosos, se intuyen pechos femeninos, y lleva un collar de oro. La mujer, pues estamos seguros de que lo es, viste además ropas que la señalan como alguien especial. Aparentemente son el reflejo invertido de la indumentaria de Jesús, ya que vemos una túnica azul con manto rojo a un lado, y una túnica roja con manto azul al otro, siempre dentro del mismo estilo.

También Jesús se ve amenazado por un índice rígido que apunta hacia arriba, prácticamente delante de su cara. Pero tanto Jesús como el falso Juan aparecen desentendidos de esos ademanes hostiles, visiblemente sumergidos en los mundos de sus propios pensamientos. Todo indica que se está utilizando un simbolismo secreto, no sólo para advertir de sus respectivos destinos a Jesús y a su compañera femenina, sino también para comunicar a algunos observadores cierta creencia secreta que sería peligroso compartir con la gente de manera más explícita.

A la derecha según el observador vemos un hombre barbudo que habla con el último discípulo de ese lado de la mesa. Está totalmente vuelto de espaldas a Jesús. Generalmente se admite que este personaje, Tadeo o Judas, es un autorretrato de Leonardo. Pero los pintores del Renacimiento nunca pintaron nada por casualidad. Sabemos, además, que Leonardo era muy aficionado a elegir el modelo adecuado para cada discípulo. ¿Por qué se pintaría Leonardo a sí mismo dando la espalda a Jesús?   En fín es una obra con mensajes ocultos y algunos de ellos sin resolver.

Yo añadiría otras dos obras: SAN JUAN BAUTISTA.

San Juan Bautista 1516

San Juan Bautista fue una de las últimas pinturas del autor y, sin duda, una de las más debatidas. Hay mucha polémica sobre el significado de la mano del santo apuntando hacia arriba, y su sonrisa enigmática ha provocado discusiones semejantes a las de la Mona Lisa .Representa a Juan el Bautista en la soledad del desierto.La expresión del rostro, lánguida y ambigua, es típica de las últimas obras de Leonardo. El gesto de señalar al cielo sugiere la importancia de la salvación a través del bautismo que San Juan representa. La obra es a menudo repetida por otros pintores posteriores, especialmente aquellos de las escuelas del renacimiento tardío y el manierismo. La inclusión de un gesto similar al de Juan incrementaría la importancia de una obra con un sentido religioso.


Y finalmente la obra que no puedo dejar de nombrar  es "La dama del armiño" que actualmente se encuentra en el Museo Czartoryski de Cracovia.

La dama del armiño 1489-1490.

«La dama del armiño» es, sin duda, una de las pinturas más famosas de Leonardo Da Vinci. Un estudio de un investigador francés, Pascal Cotte,  acaba de desvelar que, en la primera versión, Leonardo no habría incluido el armiño.

Pascal Cotte ha pasado tres años usando tecnología de iluminación reflectante para examinar la obra de arte y ha llegado a la sorprendente conclusión de que Leonardo pintó un retrato sin el armiño y otras dos versiones diferentes incluyendo el animal.

La pintura representa a Cecilia Gallerani, una joven amante de Ludovico Sforza, duque de Milán, que fue el principal mecenas de Leonardo en los 18 años y que era conocido con el sobrenombre de «el armiño blanco».

Tras el descubrimiento, ya han salido a la luz nuevas teorías acerca de la obra, como que el armiño se introdujo más tarde en la pintura para simbolizar al amante de Gallerani y así agradar a su mecenas o que fue la misma joven la que solicitó al artista añadirlo más tarde para dejar clara su relación con el Duque ante la corte milanesa.

Leonardo es el genio humano más grande que se haya conocido. Tenía una habilidad intelectual muy elevada y una gran creatividad, que utilizaba para llevar a cabo, incluso, muchos inventos. Leonardo era capaz de trabajar en todos los campos, lo que era muy inusual. Fue instruido como pintor y escultor, pero, como he comentado al inicio, se las arreglaba para desenvolverse en geometría, óptica, diseño mecánico, anatomía o geología. Y en cada una de ellas tenía un conocimiento muy profundo. Así que si queremos hablar sobre un genio universal, lo que es una idea muy del renacimiento, entonces Leonardo es la persona. El trabajo de este pintor italiano, que abarca un asombroso rango de disciplinas, todavía influencia la ciencia, la tecnología, la medicina, el arte y muchos otros campos casi medio milenio después de su muerte.


Y hasta aquí un muy breve resumen de la obra de Leonardo Da Vinci. Espero que lo hayáis disfrutado y os invito a seguir navegando por mi blog.

Rabadán Pintora.

Iniciarte en la pintura al oleo

INICIARTE EN LA PINTURA AL OLEO.

Para muchas personas, la pintura al óleo puede ser una afición y una forma de desarrollar la creatividad y dejar de lado el estrés. Para otra mucha gente es mucho más que eso, es una forma de vida, de expresarse, de sentir, de vivir....


Tanto si estás en el primer caso o deseas descubrirla y tienes muchas dudas, para esos primeros pasos no hace falta tener conocimientos ni habilidades especiales, ni tampoco gastar mucho dinero. Además voy a explicar cuáles son los materiales iniciales necesarios para pintar al óleo, dar algunas claves para comenzar a hacerlo, así como algunos consejos prácticos para principiantes.

La pintura al óleo es una estupenda forma de expresarse y dejar volar la creatividad. Y aunque antes de empezar a practicarla pueda parecer una tarea difícil, todo es empezar y ser paciente. Tengo que aclarar que el oleo es una técnica que requiere un tiempo de secado, por lo que la paciencia es una buena virtud. Lo normal es que necesitemos varias sesiones para terminar un cuadro.

Para iniciarte en la pintura necesitas :

· pinceles de varios tamaños (poco a poco irás ampliando variedad)
· alguna espátula
· paleta de plástico o de madera (preferible), también las hay desechables.
· tubos al oleo, ( 5 o 6 colores principales: blanco, amarillo, rojo, azul, sombra y negro). Luego ya iremos ampliando la gama.
· aguarrás o trementina (ésta es más cara que el aguarrás)
· dos botes de cristal con tapa, vacíos.
· aceite de linaza (bote pequeño, para diluir pintura al oleo)
· trapos
· soporte para pinceles
· un LIENZO
. un delantal o bata para no mancharnos la ropa.



Claves para empezar a pintar:
Para comenzar a pintar, el primer paso es colocar la pintura sobre la paleta. Es preferible colocarla en los bordes de la superficie, de tal forma que la parte central quede libre: esa es la superficie que se usará para realizar las mezclas. En general, no es necesario contar con muchos tubos de pintura, ya que con cuatro o cinco resulta suficiente: blanco, amarillo, rojo, azul, sombra y negro A partir de la combinación de estas tonalidades se pueden obtener todas las demás. Es cierto, aunque hay que dedicarle más tiempo, sin embargo es una práctica muy recomendable, pues con pocos colores nos habituamos a sacar la mayoría (que no todas) de colores de la naturaleza.


En 1850 Delacroix señaló “Mi paleta recién preparada, brillante de colores contrastantes es suficiente razón como para abandonarme a todo mi entusiasmo” . El artista francés era meticuloso a la hora de preparar su paleta y cuando algo le resultaba mal era capaz de llevarse la misma a la cama y pasar el día entero mezclando nuevos matices.


Lo conveniente es ordenar los colores según la escala cromática, de los más claros a los más oscuros. Al colocarlos en este orden se asegura que, si se mezclan por accidente, será entre dos tonalidades bastante cercanas en la gama y el resultado no será tan problemático.


Ahora nos toca elegir un pincel, se moja en la esencia de trementina (si se carece de ella, se puede emplear aguarrás puro) y se empieza a mezclar las pinturas en busca del tono deseado. Se debe humedecer con frecuencia el pincel en la trementina para lograr una buena ductilidad de la pintura, pero para evitar que llegue demasiado empapado del bote de líquido a la paleta, se puede secar con un trapo, cuidado en este punto. Cada color contendrá en su tubo una cantidad determinada de aceite, con lo que cada color, incluso, necesitará que lo mezclemos con aceite, en medida diferente. De la misma manera que no todos los colores son igual de cubriente. Se trata de ir aprendiendo.


Después, solo queda aplicar la pintura en el lienzo, pero previamente debemos saber que pintamos. Podemos hacer nosotros mismos nuestras composiciones y hacemos la foto correspondiente. O simplemente, cámara en mano, vamos a buscar el motivo o el paisaje que queramos. Eso dicho así queda muy ligero, pero hay que pensar que si nos estamos iniciando en el oleo, lo normal será empezar por algo sencillo, sin mucha complicación y evitando en la medida de lo posible la figura, que se requiere mucha más técnica y práctica.Sería muy interesante practicar con el dibujo, eso nos facilitará mucho la tarea.

Y finalmente voy a hacer especial hincapié en la limpieza de los pinceles, porque se desgastan bastante, porque son muy caros y porque poco a poco te deberás hacer con un buen repertorio de ellos. Hay pintores que para cada cuadro utiliza pinceles nuevos. Y es que aunque los compremos sintéticos, que son más económicos y con buen resultado, se estropean con más facilidad de lo que esperamos, por ello debemos poner mucho esmero en su limpieza.

Consejos para el cuidado de pinceles:

1. Utiliza cada pincel para un tipo de pintura diferente. En el mercado existen pinceles específicos para cada clase de pintura (óleo, acrílica, acuarela...). Para el óleo, pues pinceles de oleo. Los de acrílico serán de otra calidad y los de acuarela, son más suaves.

2. Mantén los pinceles húmedos mientras trabajas la obra. Pero no dejarlos dentro del bote con la trementina o el aguarrás, pues se estropearían más rápido.


3. No apoyes los pinceles en el fondo del bote con agua o disolvente o las cerdas terminarán aplastándose.

4. En tiendas de bellas artes puedes encontrar unos soportes para pinceles que consisten en un cubo metálico con una espiral en la parte superior, que te permite enganchar el pincel y dejar que la punta se moje dentro del bote, evitando que se aplaste. Bueno, yo lo tengo hace mucho y la verdad, aún no lo he utilizado. Por lo que lo dejo a gusto de cada cual.

5. Si has empleado pintura al óleo, retira primero el exceso de pintura con un papel absorbente (o de periódico) o un trapo, presionando con los dedos desde la raíz hasta las puntas de las cerdas.

Límpialo con aguarrás o disolvente y después con agua caliente y jabón de lavavajillas hasta que el agua salga limpia. Este jabón antigrasa es muy útil porque ayuda a eliminar el aceite. También es muy bueno el jabón lagarto de toda la vida. Frota el pincel en círculos directamente sobre la pastilla. Incluso este jabón elimina la mayoría de las manchas sobre la ropa.


5.1. Si has utilizado pintura acrílica, limpia los pinceles con agua caliente y jabón de lavavajillas o jabón neutro. Ponte jabón en la palma de la mano y frota el pincel a círculos, de manera que haga espuma.

Presiona con los dedos la raíz de las cerdas para que no se acumulen restos de pintura y evitar que se hinche en un futuro.

5.2. Si has pintado con acuarelas, lava el pincel con agua y un jabón suave y guárdalo protegiendo sus finas cerdas.

6. Con un trapo, seca bien los pinceles antes de guardarlos, siempre de la raíz a la punta.

7. Guarda los pinceles de modo que las cerdas no se aplasten o se deformarán. Déjalos inclinados con las cerdas hacia abajo para que el agua tienda a bajar. Yo, personalmente, los suelo dejar que se sequen en posición horizontal.

8. Es preferible que no los almacenes en un bote con las cerdas boca arriba a no ser que estén completamente secos.


Consejos básicos para iniciarnos en la pintura:


Los siguientes son algunos consejos y recomendaciones para quienes comienzan a transitar la senda de la pintura al óleo.

· Colocar poca pintura en la paleta. Para esto, es fundamental no excederse al presionar el tubo. Luego se limpia bien la boca del tubo con el trapo, para evitar que los restos de pintura se sequen allí y ocasionen que el tapón se quede pegado y que luego no se pueda abrir.

· Antes de aplicar la pintura sobre el lienzo, conviene llevar a cabo ensayos y pruebas para asegurarnos que el tono es el adecuado. No importa cuánto tiempo dediquemos a este menester pues aunque es una tarea lenta y en ciertos momentos nos puede llegar a desesperar, sin embargo, pronto nos familiarizaremos con los colores y sus combinaciones. No olvidemos que conocer los colores y sus combinaciones es una parte importante del aprendizaje.

· El aceite de linaza es la sustancia más apropiada para cuando se necesita diluir la pintura al óleo. A mi me encanta cuando el aceite hace que la pintura se deslice...

· Para empezar a pintar, lo mejor es copiar un modelo, ya sea una foto  o imagen o al natural (decir, que al natural es más díficil)  como un recipiente con flores, un conjunto de frutas o el paisaje que se ve a través de una ventana, aunque en este caso habrá variaciones de luz a medida que transcurran las horas del día, y eso hay que tenerlo en cuenta. También se pueden realizar pruebas y bocetos previos sobre papel y, cuando se sienta mayor seguridad, pintarlo sobre la tela o lienzo.

· Además de lograr el color deseado al mezclar las pinturas en la paleta, hay que tener en cuenta que, ya en la tela o el lienzo, si se aplica una pintura sobre otra todavía fresca, también se mezclarán. Esto no ocurrirá si se deja que la primera seque bien. Hay una técnica de pintura llamada veladura, que consiste en pintar con un color claro sobre uno oscuro, para obtener tonalidades nuevas en las superficies de intersección.

· Los colores blanco y negro se deben emplear poco y con cuidado, ya que a menudo "ensucian" a los demás y un pequeño exceso ya impide obtener el resultado deseado. Es más conveniente aclarar con amarillo, y no con blanco, y oscurecer con azul o marrón, y no con negro, para evitar esos problemas. (Escribiré un post dedicado únicamente al color blanco).


· Hay que limpiar bien los pinceles después de su uso, como he comentado antes: quitar restos de pintura con papel de periódico, sumergirlos en aguarrás y más tarde secarlos con un trapo. También se puede usar un pan de jabón neutro, o mejor, jabón lagarto (como el que hacían nuestras abuelas, es fabuloso, incluso para las manchas en la ropa) pasando las cerdas sobre él de tal forma que se eliminen los restos de pintura.


Espero que os haya sido de utilidad mi artículo y que disfrutéis con la pintura.


Y si os gusta Sergio Dalma como a mí, espero que lo disfrutéis. ¡¡¡¡

Rabadán Pintora.